EVENTO

En un evento literario-musical, presentaremos el libro Noche de jazz el próximo 2 de diciembre en Huelva, en la preciosa librería La Dama Culta (c/. Cardenal Cisneros, 4) a las 8 de la tarde.

Después de la presentación y de la charla del autor, ontaremos con los músicos de Unit Line 2 en un micro-concierto didáctico de jazz, para los neófitos... y también para los adictos.
* También disponible en este enlace (gastos de envío GRATIS)
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THE BIG BAND MUSIC OF DAVID BAKER

Música de big band a la máxima potencia

Así podríamos definir el reportorio del disco que la Buselli-Wallarab Jazz Orchestra dedica a la música del compositor Dr. David N. Baker. Fallecido en marzo de este año, Baker es uno de los compositores más influyentes de las últimas décadas en Estados Unidos. Trombonista frustrado a causa de un problema maxilar, violonchelista, compositor y, sobre todo, educador, deja un legado que ahora aparece en doble CD en este Basically Baker Vol. 2 (Patois Records, 2016).

A la primera escucha, uno nota en las composiciones matices y actitudes heredadas del paso de Baker por el sexteto de su compañero de estudios George Russell (en Ezz-thetics) y por las orquestas de Stan Kenton, Quincy Jones y Maynard Ferguson, formaciones de gran energía, pero lo que más nos gusta de la música de David Baker no es sólo su gusto por la orquesta como instrumento, dominando todo su poder con arreglos vigorosos y precisos, sino su capacidad de componer para orquesta dejando espacio para los solos (y los solistas).
Una fotografía retrospectiva de David Baker
Fundada en 1994 por el trompetista Mark Buselli (Director de Estudios de Jazz en la Ball State University y galardonado compositor) y el trombonista Brent Wallarab (solista de la Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra y compositor para, entre otros, Wynton Marsalis, the Lincoln Center Jazz Orchestra, The Chicago Jazz Ensemble, Charlie Haden, Randy Brecker, Joe Lovano...) la Buselli-Wallarab Jazz Orchestra nació del compromiso de ambos con la herencia musical del jazz. Radicada en Indiana, era inevitable un homenaje a su compositor más influyente, David Baker, con cuya música ya editaron el primer volumen de Basically Baker en 2007. El Vol. 2 es la undécima grabación de la orquesta.
Buselli y Wallarab

Randy Brecker

El trompetista Randy Brecker procede de las bandas de estudiantes creadas por David Baker. En el álbum aparece como invitado con una etérea intervención en la balada "Kirsten's First Song". Otro de los invitados es el trombonista Wayne Wallace, que tiene un solo en "Honesty", un tema que comienza con un contrapunto barroco para derivar en un jazz festivo y muy bien escrito. Invitados aparte, todos los solistas de la BWJO son sólidos y coherentes. Destacaría la trompeta con sordina de Buselli en "Black Thursday", pero todo el disco está lleno de arreglos y momentos para degustar poco a poco. 



David Baker fue un compositor al que nunca interesaron los experimentos del jazz moderno ni el jazz to come. Blues, bebop y hardbop cimentan su estilo. Esto es lo que encontrarán en este álbum, jazz sin rupturas y buenos solos. El único tema del álbum que no está compuesto por Baker es "Bebop" de Dizzy Gillespie, un tema en el que, dicen, Dizzy pidió a Baker que pusiera su sello personal. Y ahí está, convirtiendo este disco en imprescindible para los amantes de las big bands que busquen este sonido más allá del swing. El disco, además, es benéfico. Ayudarán a las becas que llevan el nombre de Baker.

Este clip de vídeo es antiguo pero el tema está incluido en Basically Baker Vol. 2. Se trata de "Honesty":


La Buselli-Wallarab Jazz Orchestra son:

Trompetas: Tony Kadleck, Scott Belck, Graham Breedlove, Jeff Conrad, Mark Buselli, Pat Harbison.
Trombones: Tim Coffman, Freddie Mendoza, Brennan Johns.
Trombón bajo: Rich Dole 
Saxofones: Tom Walsh, Bill Sears, Rich Perry, Rob Dixon.
Saxo barítono: Ned Boyd.
Trompa: Celeste Holler-Seraphinoff 
Piano: Luke Gillespie 
Vibráfono: Mitch Shiner 
Celesta: Monika Herzig 
Tuba: Dan Perantoni 
Bajo: Jeremy Allen 
Batería: Steve Houghton 
Invitados especiales: Randy Brecker (trompeta), David Stryker (guitarra) y Wayne Wallace (trombón).
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* Más info en su página de Facebook: www.facebook.com/Basically-Baker-Volume-2-218534781854601
** Foto de Randy Brecker: John Abbott.

http://www.barnesandnoble.com/w/diary-of-an-ugly-recently-divorced-man-f-lix-amador-g-lvez/1124691568;jsessionid=F643842CDC6479F78DB68D55806EBF3E.prodny_store01-atgap08?ean=2940153519654

EQUILIBRIO SOBRE CUERDAS

JEAN-PHILIPPE GUY, Équilibres (2016)
  
Hace años que el vocalista francés Jean-Philippe Guy da color a los escenarios de Europa y de Madrid, donde vive, con su voz nostálgica y su repertorio de jazz. Este mes acaba de publicar su tercer álbum, Équilibres, un título que define con elocuencia la materia de la que está hecho su trabajo: una inusual y gratificante mezcla de estilos (jazz, soul, chanson française, zydeco, blues) en un delicioso equilibrio en el que se mueve sobre la frágil red de las cuerdas (guitarra y contrabajo), sin el apoyo armónico del piano o de los vientos. Pura audacia.

La chanson francesa es un estilo cuyo ritmo se adecua con facilidad al swing y a la síncopa del jazz. El sentimiento de blues inherente a la manera de cantar francesa ha contribuido también a que las composiciones de Ferré, Kosma, Gainsbourg, Piaf, Brel... hayan pasado al repertorio de jazz de una manera natural. No están estos nombres entre los autores del repertorio de Équilibres, pero sí el espíritu francés que Guy imprime en sus versiones de Irving Berlin, Stevie Wonder o Joni Mitchell, al tiempo que asume con naturalidad sonidos americanos que van del country ("Demain Soir") al blues en "Madrid Shopping Blues" (y, en medio, su híbrido el zydeco), para marcarse un gospel ("Armstrong" de Claude Nougaro, que es, a su vez, una versión del espiritual negro "Go Down Moses"); todo esto sin olvidar sus raíces, con cuatro versiones de Barbara (incluidas la deliciosa "Dis quand reviendras-tu?" y la apasionada "Le Soleil noir").

Esta es la versión que Jean-Philippe Guy hace de un clásico compuesto por Leo Robin y Richard A. Whiting ("My Ideal"), que aquí se llama "Ma moitié". El sitio es Clamores.

Los músicos que acompañan a Jean-Philippe Guy en el vídeo y en el disco son el guitarrista Rayko Pepelanov y el bajista Alejandro Masafret. Como se puede escuchar en el vídeo, el trabajo de sostener las canciones sólo con la voz y las cuerdas ya es en sí un desafío; versionar todos estos clásicos del blues y del jazz en francés (para un galo afincado en Madrid) supone una declaración de intenciones, una marca distintiva, personal, que hace de este disco y de su autor algo único e identificable.

Para rematar la definición de audacia, el equilibrio del que hablábamos al principio está presente en la contraportada, donde, intencionadamente, los títulos de las canciones aparecen desordenados de una manera ilógica y anecdótica (1, 3, 7, 13, 12, 2...). 

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* Pueden escuchar el disco aquí: www.deezer.com/artist/6603114

YELLOW RED BLUE

Jasmine Lovell-Smith's Towering Poppies

Jasmine Lovell-Smith es una saxofonista nacida en Nueva Zelanda que reside en Morelia (México), se formó en Conneticut con Anthony Braxton y tiene un quinteto en Nueva York. Con este bagaje cosmopolita a sus espaldas, Lovel-Smith se nos presenta como una compositora de mirada original, que hace un jazz de cámara moderno y complejo para una serie de grupos (los neoyorquinos LOADBANG o May Cheung, los mejicanos Inserte Nombre o la New Zealand Youth Jazz Orchestra) además de su propio quinteto (residente en Nueva York), llamado Towering Poppies, que ahora edita su segundo álbum, titulado Yellow Red Blue.

Towering Poppies
Lo primero que sorprende de este álbum es su complejidad, tanto armónica como de influencias. Debe ser esto lo que algunos críticos sesudos llaman Nuevo Jazz y yo llamo simplemente jazz con vocación lírica, abierto a sonidos no negros. Dejando atrás el primer tema ("The Pillow Book"), que semeja lejanamente a un hardbop evolucionado, el resto del álbum es de una lírica indudable, presente en todas las composiciones, que se suceden como si el álbum fuera una suite. Las polifonías entre los instrumentos son muy interesantes y nuevas para un oyente de jazz, a la vez que suenan espontáneas como si de un disco en directo se tratara.
 
El soprano es un saxo que a mí, en particular, me ha dado siempre una sensación de fluidez, de alegría. Sin embargo, en las partituras de Jasmine Lovell-Smith, el soprano tiene una textura nueva y visceral ("Wonter Winderland", "Familia"), y el poder de transmitir una nostalgia por unos paisajes que imaginamos y no conocemos, que nos hacen mirar la portada del álbum preguntándonos a dónde pertenecen esas imponentes amapolas que dan título al álbum. En este sentido, destaca la evocadora "Yellow Red Blue", un poema a tempo lento que podría ser la banda sonora de un viaje (interior o real), con reminiscencias folk (no sólo americanas), que obliga al oyente a realizar una introversión necesaria. Cuando, además, la voz del soprano se une a la del clarinete, se oyen texturas únicas. En su primer álbum, Fortune Songs, el saxo "cantaba" con la trompeta, en lugar de con el clarinete bajo; pero de aquel combo sólo quedan Lovell-Smith y el pianista Cat Toren, aunque el espíritu y el sonido siguen siendo, por suerte, los mismos.


Los músicos que acompañan a Jasmine Lovell-Smith son Josh Sinton (clarinete bajo), el canadiense Cat Toren (piano), Adam Hopkins (bajo) y Kate Gentile (batería). A sus dotes individuales, improvisatorias y colectivas, se une en varios temas el cuarteto mejicano La Matraca con sus violines, viola y chelo, aportando, si cabe, mayor complejidad y profundidad a las composiciones. 
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* Web oficial: www.jasminelovellsmith.com





UNA PICCOLISSIMA SERENATA EN LA CUARTA

Concierto de la Piccolissima Jug Band

Según explicaba durante el concierto Antonio Fernández (guitarra, kazoo, tabla de lavar y otros artilugios de percusión) en aquellos tiempos en que el jazz no era ni una etiqueta intelectual ni la banda sonora de un strip-tease, una jug band era una banda de aficionados, dotados únicamente de su instinto natural para la música, sin partituras de por medio, que usaban como instrumentos objetos de la vida diaria como, por ejemplo, jarras de cristal (jugs).

La Piccolissima Jug Band usa estos elementos en algunos de los temas (kazoos, tabla de lavar, dedales, bocinas...) pero utiliza con más inteligencia el espíritu de estas jug bands para construir una música divertida, bailable, (casi) auténtica, que sorprende a cada tema, ya sea haciendo una versión inclinada hacia el swing (swing & roll lo llaman) de "Blue Suede Shoes" como recuperando joyas de los años anteriores al swing.

El pasado viernes 4 de noviembre, la Piccolissima Jug Band inauguró en Huelva el ciclo de Jazz en la Cuarta que organiza la Fundación Cajasol en colaboración con Música Fundamental y la Obra Social de La Caixa. El aforo (unas 135 plazas) estaba desbordado. El público se mostró cálido y receptivo al heterogéneo repertorio, dispuesto a cantar y a bailar a pesar del pequeño espacio y de estar sentado. La banda dejó clara su experiencia en las tablas, entretuvo y, lo que es más importante, dio una lección de cultura musical

Foto: web Fundación Cajasol

Los músicos sobre el escenario eran Patricio Caparrós al contrabajo, Antonio Fernández a la guitarra, banjo y en los instrumentos como la tabla (estos dos primeros también tocan en la Potato Head Jazz Band), Antonio Álvarez a las guitarras y voz (increíblemente versátil, ya sea cantando swing o blues) y Jaime Párrizas en la batería.

Desde el pequeño (mínimo, diría yo) escenario de la cuarta planta del edificio de Cajasol, con un público atento y la sala llena a rebosar, la banda repasó todo lo que de divertido tiene la música sincopada, desde la recuperación de una interesante canción perdida en el tiempo titulada "Swing Calé", que habla de los tópicos de Granada (la banda es de Granada) pero afirma que los turistas pasan de ellos para escuchar a los gitanos hacer swing, hasta alguna revisión de Ray Charles, un gran "C'est si bon", vertiginosos homenajes al swing italiano ("Mambo Italiano" o la "Piccolissima Serenata" de Carosone), un "L-O-V-E" más swingueante que el de Sinatra, un "Down by the Riverside" (Louis Armstrong) que hizo cantar al público...

El concierto terminó con un par de gloriosos bises, que culminaron la noche de manera espectacular (qué buena "On The Sunny Side Of The Street", también de Armstrong), con el público en pie, bailando y acompañando con las palmas (algunos no muy al compás), con la banda haciendo gala del virtuosismo que el swing manouche exige pero dando la sensación de hacerlo por simple diversión porque, como reza el título de su nuevo disco, ellos vienen a pasarlo bien.

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* Web oficial: www.piccolissimajugband.com

** Jazz en la Cuarta 2016: www.cajasol.es/el-ciclo-jazz-en-la-cuarta-de-la-fundacion-cajasol-noviembre/

MAKE AMERICA GREAT AGAIN!

Delfeayo Marsalis se interpone entre los candidatos

En medio de la campaña presidencial más barroca de la Historia de los Estados Unidos, el trombonista Delfeayo Marsalis sorprende con un álbum titulado Make America Great Again! (Troubadour Jazz Records, 2016), apropiándose de un eslogan que utilizó por primera vez Ronald Reagan en su campaña del 80 y que el impresentable Trump afirma haber inventado (en 2012 lo registró como marca). Marsalis pone el foco en la ironía, a ritmo de desfile de Nueva Orleáns, con ritmos optimistas y una poderosa Uptown Jazz Orchestra, en un disco que hace reír y hace pensar. 

Es el séptimo álbum como líder de Delfeayo Marsalis y no el primero que sorprende por su título (anteriores fueron Pontius Pilate's Decision y The Last Southern Gentlemen, por ejemplo). Ahora, su uso irónico del lema Make America Great Again!, despoja a la frase del tono patriótico y xenófobo que ha ido adquiriendo a través de los años,  y cabalga sobre una idea de América que, en las canciones originales del disco (escritas por Marsalis), discurre sobre la teoría de que la mejor época de su país ("Living Free and Running Wild") fue cuando Colón no había llegado, el agua era limpia, los búfalos corrían libres... Aunque tampoco había jazz.
The Uptown Jazz Orchestra (de izquierda a derecha): (sentados) Meghan Swartz, Delfeayo Marsalis, Roger Lewis, Roderick Paulin, Khari Allen Lee, Jeronne Ansari, Gregory Agid; (de pie) Jasen Weaver, Dr. Brice Miller, John Gray, Scott Frock, Terrance “Hollywood” Taplin, Jeffery “Juilliard” Miller, Charles Williams.
En lo que nos interesa, el jazz, el disco suena a Nueva Orleáns 100%, a brass band, a desfile ("Put Your Right Foot Forward"), a celebración de la comunidad, a optimismo y a diversión, que es la manera con la que los habitantes de la ciudad se enfrentan a los desastres, sean naturales o políticos (para una mejor comprensión véase Tremé, la ficción televisiva que explica cómo la música y el espíritu de un lugar marcan su comportamiento). Lo más espectacular es la cohesión entre los músicos de la orquesta, especialmente en improvisaciones colectivas como el tema que da título al álbum. En palabras de Marsalis, lo más importante era mostrar "that joy and exuberance that people equate with the city", sin olvidar los orígenes africanos de su música, algo que, afirma, le recordaban constantemente Elvin Jones o Max Roach o Art Blakey o Clark Terry cuando tocaba con ellos, aquí presente en el contagioso funk de "Back to Africa" o la lastimera "Dream on Robben", dedicada a Nelson Mandela.

Y, al frente de este colectivo incansable y en algún momento agotador para el oyente, Marsalis, sin buscar un excesivo protagonismo, con un trombón que casi canta (Marsalis afirma que es un instrumento que, como el cello, se acerca mucho a la expresividad de la voz humana), con un sonido bellísimo en temas como "Skylark", donde se puede comprobar que el trombón no es sólo un instrumento de acompañamiento y ritmo si se le trata con sensibilidad.

El álbum comienza provocando, interprentado su himno nacional ("The Star Spangled Banner") para demostrar que pertenece a todos, no a quienes se adueñan de los eslóganes más excluyentes, para después apuntar a la música americana que ama, con estándares como "All of Me" o "Slylark", o clásicos de bandas de Nueva Orleáns como la Rebirth Brass Band ("Put Your Right Foot Forward") y la Dirty Dozen Brass Band ("Snowball"), o la influencia de la música de iglesia con Kyle Roussel al piano en un "All of Me" inspirado en Count Basie. En medio, ritmo, sarcasmo, grandes momentos en los vientos, y la prueba de que el humor es una poderosa arma contra la decepción. No recordaba (jazzísticamente hablando) un sarcasmo político tan bien instrumentado desde las "Fables of Faubus" de Mingus.

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* Web oficial: www.delfeayomarsalis.com
** Foto de la Uptown Jazz Orchestra: Racquel J. Ezell
*** Foto de Delfeayo Marsalis: Zack Smith (www.zacksmith.com)




Noche de jazz, libro a la venta en este enlace.











MADE IN NEW YORK

Exploraciones de Luis González Trío 


Made in New York (PSM Records, 2016) es el sexto álbum de este trío liderado por el pianista Luis González. Once temas grabados en el Samurai Hotel Estudio de Nueva York en los que muestran un jazz de factura original, a caballo entre las influencias bop y la llamada Tercera Vía, presenta aquí unos temas imaginativos, de una bellísima fluidez, donde el trío se permite coquetear con influencias latinas y flamencas, sutiles, elegantes.

El estilo del pianista Luis González (Jerez de la Frontera, 1980; formado en el Conservatorio de Gerona) es un compendio de estilos, que lo han llevado de una formación a otra: flamenco jazz (Soniketeké), jazz fusión (Free Zone 4tet), jazz inspirado en la música sefardí (Sepharazz Mishpaha)... además de colaboraciones con orquestas clásicas como Orquestra Simfònica del Vallès, Orquestra de Cambra de l’Empordà..., que podrían explicar sus especulaciones jazzísticas en torno a la música de Bach ("Sarabande BWV 812"), un compositor que está llegando al jazz con demasiada frecuencia últimamente y con muy interesantes resultados; aquí, procesada en un delicioso tempo medio, como corresponde a esta danza tradicional, ejercicio que se repite con Bartok en  un tema que alterna ritmos binarios y ternarios, algo propio de algunas músicas tradicionales de los Balcanes (y también del flamenco) y que Bartok denominó ritmo búlgaro (el tema es "Bulgarian Rhythm" y contiene una obsesiva línea de contrabajo que remarca la expresividad del piano).



El trío lo completan Joan Solà-Morales al contrabajo (un bajista que suena a clásico y que se oye serio, incansable, tanto acompañando como cuando le toca protagonismo) y el baterista César Martínez (contundente y versátil como corresponde a un baterista de jazz), pero a lo largo de los seis discos de la carrera de este trío, han grabado (paradójicamente) en cuarteto, quinteto, sexteto... En el presente álbum colaboran músicos de diferentes nacionalidades afincados en Nueva York, como el  guitarrista israelí Gilad Heckselman (Esperanza Spalding, John Scofield...), capaz de aportar el toque oriental del flamenco mientras González deshace el teclado en notas de blues ("Frigi Blues"); el saxo tenor Lucas Martínez (emotivamente porteño en la versión del "Libertango" de Piazzola) y la vocalista Laura Noah, que hace una convincente revisión jazzística del clásico de Jimmy Cliff "Many Rivers to Cross", amén de aportar una composición de su propia autoría ("Dentro de mí").

En resumen, una amalgama de experiencias e influencias que se entrecruzan en la biografía de Luis González tanto como en su música, un punto de encuentro que cataliza en Nueva York, ciudad a la que el pianista dedicó una compleja e interesantísima suite y que es, también, el gran ejemplo de la fusión de culturas, músicas, músicos...

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* Web oficial: luisgonzalezmusic.com

** PSM Records: www.psm-music.com/luisgonzaleztrio/